Nous cherchions à interviewer Laurence Benaïm depuis près d’un an. Mais avec autant de casquettes : journaliste (elle a travaillé pour Le Monde, L’Express et fondé Stiletto), auteure, éditrice, biographe (Saint-Laurent, Marie-Laure de Noailles, Dior…) et une nouvelle biographie de la peintre italo-argentine Leonor Fini, à paraître, en septembre, chez Gallimard, l’entretien a finalement eu lieu au début de l’été, à l’hôtel Nolinski (Paris 1er), un lieu qu’elle connaît bien. Elle y organise régulièrement des rencontres avec des designers et des créateurs, portée par le désir de transmettre son goût des autres, et en particulier des créateurs, qu’elle soutient avec une passion indéfectible…

Dans son roman « La sidération », paru en 2021, Laurence Benaïm raconte son histoire familiale et évoque son grand père maternel polonais qui fabriquait des chapeaux et qui lui a, peut-être, transmis le goût de l’artisanat :« J’aime la vérité et le silence des ateliers, la vérité des gestes, les instruments, les mots de la technique qui sont les complices de la main». Elle retrace l’histoire de ses parents médecins, juifs séfarades du côté de son père (Algérie) et ashkénazes du côté maternel. Sa mère, installée à Paris durant la Seconde Guerre mondiale, doit se cacher à la campagne ; un épisode qu’elle ne racontera jamais vraiment. Sa mère ne se confiait d’ailleurs pas beaucoup et c’est son histoire, en particulier, que Laurence Benaïm s’attache à retracer dans ce roman alors qu’elle tombe gravement malade. « C’est un livre écrit sous forme d’une grande lettre : ce que je n’ai pas pu lui dire ».

Laurence Benaïm a, en effet, voulu « documenter », dit-elle, l’histoire de sa mère à la façon dont elle « documente » ses biographies : un travail d’enquête « Tout savoir, s’imprégner pour arriver à quelque chose de poétique ». La biographie de Saint-Laurent, qui est devenue un ouvrage de référence, lui a demandé sept ans de travail. Elle cite comme modèle Stefan Zweig et Pierro Citati.

Laurence Benaïm est aussi la biographe du décorateur d’intérieur Jean-Michel Frank (1895-1941). Elle le raconte joliment : « Le personnage s’est imposé car j’aime les grands silencieux : il était à la fois célèbre et inconnu. Il n’a pas vraiment donné d’interviews. Son travail a finalement été extrêmement copié et a, en même temps, quelque peu disparu. Il n’a fait partie d’aucun groupe, il était solitaire. J’ai été attiré par cette personnalité. Jean Cocteau disait qu’il donnait l’impression que ses intérieurs avaient été cambriolés. Il y a dans ses créations une forme d’opulence dans la retenue, une grande sensualité associée à une grande rigueur. Une épure qui est la grâce mais n’est pas de la raideur ou du minimalisme. Comme un tailleur de diamants, il enlève pour ajouter de la lumière. Même son dépouillement a quelque chose de solaire ».

Laurence Benaïm aime autant l’extravagance que la retenue quand ils sont, l’un ou l’autre « au service d’un propos ou d’une intention. Je n’aime pas les choses obligatoires ou imposées, sans regard ».

Elle a récemment apprécié le travail d’Edi Dubien au Musée de la Chasse. Elle aime aussi Claire Tabouret, « une artiste qui cultive le sens du trait et du regard », ainsi que Jean-Philippe Delhomme.

Dans cet épisode du Trait, Laurence Benaïm nous raconte son parcours et évoque son travail en prenant toujours soin de choisir ses mots, ce qui finalement l’importe plus que tout.

VERBATIM

« J’apprends avec le temps à essayer de me délester de mes notes de lecture, qui sont comme des épingles accrochées à des robes.

-Le créateur, c’est celui qui dessine, qui a des idées, les met en scène, raconte des histoires.

L’artisan, c’est le premier d’atelier qui peut tout changer à cause d’un entoilage.

-La virtuosité, j’essaie de la mettre dans les mots.

– « La sidération » ; c’est un livre écrit sous forme d’une grande lettre : ce que je n’ai pas pu dire à ma mère. On se parlait assez peu.

-J’ai découvert la haine que mes parents avaient pu subir. L’offense aussi que mon père avait endurée en tant que juif et interne des hôpitaux de Paris. Cela continuait bien après la fin de la guerre.

-J’ai besoin de documenter, d’accumuler des pièces à conviction, un travail presque de profilers, dont je me sens proche car ils ont des obsessions jamais satisfaites.

-Je suis pétrie, nourrie par les grands écrivains du XIXe siècle, l’esprit naturaliste, celui de Zola, Maupassant, qui consiste à tout savoir pour parvenir à quelque chose de poétique. S’imprégner. J’ai besoin de cela.

-Jean-Michel Frank : Il célèbre son époque, la lumière de cette époque, sans être dans la négation du passé. L’histoire, pour lui, est comme un continuum, là où d’autres cherchent à l’annuler. J’aime cela chez lui. Comme un tailleur de diamants, il enlève pour ajouter de la lumière. Même son dépouillement a quelque chose de solaire. Il crée des lieux pour y vivre ».

Le Trait a rencontré le « créateur » Mathias, au salon « Révélations », qui a eu lieu au Grand palais en mai dernier.
Mathias est le nom qu’il a emprunté à vingt-neuf ans pour repartir à zéro. Il s’est alors installé comme artisan rue de Charenton (12e ) : « Cela a été quinze ans de labeur ; une période très perturbante, très difficile. Je me suis toujours dit que si je m’en sortais, j’aiderais les jeunes ». Il a tenu sa promesse en lançant l’association « Matières libres » en 2015 qui, chaque année, octroie le Prix Mathias doté d’une somme de 6000 euros, ouvert aux jeunes créateurs de moins de 30 ans sortant d’écoles ou autodidactes. Le jury est choisi parmi des personnalités des arts appliqués, du design, de la décoration, des médias ou chefs d’entreprise. L’originalité, le savoir-faire et la liberté créative sont particulièrement récompensés. Depuis 2023, la maison Baccarat (avec laquelle Mathias collabore depuis toujours comme designer) décerne aussi le prix « Alchimie de la joie », une résidence d’un mois à la manufacture Baccarat (Meurthe-et-Moselle). Il est encore possible de candidater pour le prix 2025 (jusque fin juillet, lien ci-dessous).

Pour Mathias, la découverte du verre a été capitale. Il trouve un procédé qui, pendant 15 ans, lui permet de « faire la plus belle verrerie du monde, après on m’a copiée. Mais, je me suis rendu compte que je pouvais utiliser d’autres matières. J’ai fait des couverts, des nappes … La griffe Matthias était partout ». Mathias estime que les jeunes designers doivent résister et imposer leur signature, même si c’est difficile.

Matthias a accepté de nous raconter avec passion et une grande émotion son parcours…

La liste des exposants 2025 de Révélations

institut-savoirfaire.fr/sites/default/files/brochure_-_mathias_matieres_libres_2019.pdf

VERBATIM
« J’ai commencé en 1972 au fond d’une cour d’immeuble. J’étais heureux mais le défi est de réussir et d’être reconnu.
-La parution dans un magazine vous donne la reconnaissance mais ne vous fait pas vivre. À l’époque, on n’avait pas les réseaux sociaux pour se faire connaître.
– J’ai pris l’appellation : Créations Mathias. Pour moi, création, c’était le mot essentiel de la vie. Mais personne ne l’utilisait à l’époque. Je ne me dis pas designer, c’est un terme anglais qui n’a rien à faire avec ce que l’on fait. Le mot designer ne rend pas compte du métier de la main. Je ne me revendique pas artiste. Dès que l’on produit en multiple, nous ne sommes plus des artistes ».

La réputation de Nathalie Obadia n’est plus à faire. Déterminée, énergique et passionnée, elle incarne pleinement ces qualités lorsque nous la rencontrons dans sa galerie du Faubourg Saint-Honoré, un matin d’avril.

Nous souhaitions l’interroger sur son parcours de galeriste, entamé il y a un peu plus de 30 ans, en 1993, lorsqu’elle ouvre sa première galerie, rue de Normandie (Paris 3e), ainsi que sur son livre récemment paru aux éditions Cavalier bleu, « Figures de l’art contemporain. Des esprits conquérants ».

Nathalie Obadia s’est imposée dans le cercle très fermé des galeristes. Elle raconte qu’à 13 ans déjà, elle visitait des galeries engageant des conversations avec Mathias Fels, Jean-Marc Lambert et d’autres figures du milieu. Daniel Varenne a même vendu à ses parents une œuvre de Tom Wesselmann. Passionnés d’art, ses parents ont commencé une collection de pop art. Bien qu’elle vienne d’un milieu sans grande fortune, l’art y occupait une place centrale. Selon elle, la démarche de ses parents était atypique pour l’époque car les acheteurs étaient principalement issus de grandes dynasties familiales.  Elle est convaincue qu’il est aujourd’hui possible de constituer une collection sans nécessairement disposer de moyens considérables, mais en nourrissant une grande curiosité (mot qui reviendra souvent dans la discussion).

Elle entreprend des études de droit puis Sciences po, mention relations internationales (école qu’elle a d’ailleurs retrouvée pour donner un cours sur l’analyse du marché de l’art contemporain). Après ses études, Nathalie Obadia effectue plusieurs stages, notamment chez Maeght avant de se lancer dans l’aventure d’une galerie.

Nathalie Obadia dégage une impression de mouvement constant, de vigilance, malgré son succès. Mot qu’elle réfute d’ailleurs fermement : « Je ne vois pas mon parcours comme un succès. Il y a encore tellement à faire. Le métier a beaucoup évolué. Il n’y a pas de rente de situation. Chaque matin est un défi. Il faut trouver des projets pour les artistes que l’on défend, inventer des ventes, susciter des envies mais assi bien connaître son environnement à la fois national et international. »

Dans son ouvrage « Figures de l’art contemporain », Nathalie Obadia aborde un sujet essentiel : la nécessité de canaux de légitimation dans le monde de l’art, en particulier avec l’émergence de l’art conceptuel. Elle situe cette rupture à la fin des années 1960 : « On s’est progressivement éloigné de la notion de beauté kantienne. Un objet peut devenir une œuvre d’art, mais ce n’est pas automatique. Il faut des intermédiaires pour le légitimer comme par exemple les curateurs ».

Lorsqu’on lui demande si l’art conceptuel ne va pas parfois trop loin, elle répond qu’il existe plusieurs voies possibles pour un artiste. Et c’est le temps qui tranchera : « Il ne restera que les bons ».

VERBATIM

« À 15-16 ans, j’ai fait des stages chez Adrien Maeght, en Italie, chez des marchands, et chez Daniel Varenne qui avait vendu à mes parents une œuvre de Tom Wesselmann.

-J’ai préféré faire des études plus classiques en droit, en sciences politiques et en relations internationales.

-Le rôle du galeriste, c’est un peu celui d’un agent d’art. Je choisis de défendre un artiste. J’influence les gens influents : curateurs, critiques d’art, collectionneurs prescripteurs. Mon rôle est de faire avancer la cause des artistes que je défends auprès de ces personnes. Une galerie de haut niveau a accès aux grandes foires, aux collectionneurs importants, aux musées.

-On peut aussi redécouvrir un artiste. Cela a été le cas pour Martin Barré, qui est décédé en 1993. Je le connaissais de son vivant et en 2006, son épouse, Michelle Barré, m’a demandée de le défendre et de le remettre sur la scène de l’art contemporain. Nous pouvons redonner une nouvelle lumière à un artiste.

-Je ne vois pas mon parcours comme un succès. Il y a encore beaucoup à faire. Le métier a beaucoup changé. Il n’y a pas de rente de situation. Chaque matin est un défi. Il faut trouver des projets pour les artistes que l’on défend, inventer des ventes, susciter des envies. Il faut bien connaître son environnement national et international. Parfois, on se dit : cette personne ne le sait pas encore, mais ce tableau est pour elle.

-La sociologie des collectionneurs en France a beaucoup évolué. Aujourd’hui, il y en a beaucoup. Il faut savoir les trouver. Avant, la majorité des collectionneurs étaient issus de grandes familles fortunées. Mes parents, qui n’étaient pas riches ni issus de réseaux, étaient des exceptions. Aujourd’hui, la plupart des collectionneurs, à Paris comme en province, sont des « personnes normales ».

-L’Europe est un marché très fort (Belgique, Allemagne, Italie, France…). Paris, après New York, reste le centre névralgique de l’art contemporain.

-J’ai pu me tromper, et c’est normal. Les meilleures galeries se trompent moins, mais je n’ai jamais montré un artiste que je n’appréciais pas. En règle générale, les artistes que je défends sont des personnalités très fortes.  Au-delà du travail, ce qui compte, c’est l’envie d’avancer, de réussir, de s’épanouir, et de répondre à la complexité actuelle du monde de l’art.

-La nouvelle génération d’artistes français est beaucoup plus autonome, ils connaissent les codes. Cela ne remet pas en cause l’authenticité de leur travail ».